第146章 绘画技巧艺，成公第七年（1 / 2）
绘画风格样式的独特辨识度、绘画题材的广阔覆盖度，以及绘画表现手法与表达技巧的精妙创造力，共同构筑了绘画领域的核心支柱，是界定艺术作品个性与价值的关键所在。无论是东方文明的中国，还是孕育了文艺复兴与古典主义的欧洲各国，亦或是世界范围内各民族、各文明体系，绘画艺术始终与时代同频共振——在不同的历史背景与时代浪潮中，它从未孤立发展，而是像其他人文与科技领域一样，在跨文化的融合借鉴中汲取养分，在突破性的创新探索中开辟新径，持续朝着更丰富、更多元的未来迈进。
在这幅艺术长卷的创作主体中，多元的视角与层次更添其厚度。上层皇室宫廷的统治阶级，以艺术彰显权力与审美，催生了规整典雅的宫廷画派；下层民众百姓则将生活的烟火气融入笔墨，让绘画成为记录民生的载体。而在专业领域，既有聚焦市井民生万千景象的艺术大师，以精湛技艺提炼生活的真谛；也有随着时代发展、规模不断扩大的创作者群体，在日复一日的辛勤创作中沉淀反思、抒发感慨。如同书法的笔墨意境、文学的文字张力，绘画在选材的取舍、立意的深浅、表达的巧拙之间，也诞生了无数抒情达意的经典范式与风格模板。更值得关注的是，伴随历史的车轮滚滚向前与科学技术的飞速迭代，绘画不再局限于传统媒介，而是大胆与科技、设计、数字媒体等领域跨界融合，催生出数字绘画、沉浸式艺术等新兴形态，展现出超乎寻常的发展潜力与无限可能。
从题材分类来看，绘画的世界更是包罗万象。既有描绘自然之美的山水画，让观者在峰峦叠嶂与云水之间感受天人合一的意境；也有聚焦生灵之趣的花鸟鱼虫画，以细腻笔触捕捉生命的灵动与鲜活；既有追求客观再现的写实风画作，用精准的造型与色彩还原世界的本真；也有刻画人物神韵的人物肖像画，在眉眼之间传递情感与故事；还有突破现实边界的奇异幻想画，以天马行空的想象构建超现实的艺术世界。这些不同种类的画作，在融入各国传统文化艺术基因的同时，又交织着古今绘画技法的碰撞——传统的笔墨丹青与现代的构图理念相融，古老的矿物颜料与新型的绘画材料共生，最终形成了多维多元、“别具一格”的艺术谱系，每一种类型都承载着独特的文化记忆与审美追求。
尤为鲜明的是，在人物肖像画、山水画与花鸟鱼虫写实画等核心领域，官方与民间的画风呈现出强烈的对比与互补。官方画作往往追求精美大方的形制、温文尔雅的气韵，甚至在细节上达到“吹毛求疵”的极致，辅以金碧辉煌的色彩，彰显庄重与权威，如中国古代的宫廷院体画、欧洲的皇家肖像画皆属此类；而民间绘画则更具生命力——它可以是天马行空的想象，挣脱规则的束缚；可以是质朴自然的表达，还原生活的本真；也可以是大开大合、豪迈洒脱的笔墨，传递底层民众的情感；亦或是婉转悠扬的意境，暗藏细腻的思绪，甚至不乏深刻讽刺的作品，以艺术为刃针砭时弊。这两种画风看似对立，却共同丰富了绘画的审美维度，构成了艺术生态的完整图景。
至于这些风格、题材与技法的演变逻辑，实则与社会文化的变迁紧密相连——当社会安定、经济繁荣时，绘画往往更倾向于精致化与多元化，题材也更显丰富；当时代变革、思想解放时，艺术则常成为突破传统的先锋，催生出新的表现手法。
总之，绘画艺术并非孤立存在的审美客体，而是一部流动的文化史书，它记录着不同时代的思想、情感与生活，也见证着人类文明的交融与进步。
从概念定义上来讲，绘画不仅是“用线条、色彩在平面上塑造形象的艺术”，更是人类表达自我、认知世界的重要方式——它既是个体情感的宣泄，也是群体文化的载体；既是对现实的再现，也是对理想的追寻。
紧接着，当我们从多个角度、多个维度深入研究分析这些经典作品中所蕴含的深刻内涵时，我们便会发现：一幅优秀的画作，其价值远不止于视觉的美感。在山水画中，我们能读到古人“天人合一”的哲学思想；在人物肖像画中，我们能触摸到特定时代的社会风貌与人性温度；在民间绘画中，我们能感受到普通民众的生活智慧与精神信仰。这些内涵超越了时空的限制，让不同时代、不同文化背景的观者都能产生情感共鸣。
与此同时，从古至今，古今中外，对于绘画领域的认知与理解，想必诸多大师高手，也都通过一系列着作典籍、名言警句和生动事例，向我们详细阐释这一切。中国的顾恺之提出“迁想妙得”，强调艺术想象的重要性；达芬奇留下《画论》，系统探讨绘画的科学原理；毕加索则以“艺术是一种使我们达到真实的假想”，颠覆了传统的写实认知。这些思想如同灯塔，指引着绘画艺术的发展方向，也为后世研究者提供了宝贵的理论财富。
而除去绘画领域的大师，我们每一个普通人，在看待这件事情时，想必也会发现：绘画并非遥不可及的“高雅艺术”，它早已融入我们的日常生活——从街头巷尾的涂鸦，到家中墙上的装饰画；从手机里的数字插画，到书籍中的配图，绘画以各种形式陪伴着我们。即便我们不是专业创作者，也能在欣赏一幅画时，感受到色彩带来的愉悦、线条传递的力量，或是画面背后的故事与情感。这种无需专业门槛的共鸣，正是绘画艺术最朴素也最珍贵的价值所在。
当我们缓缓展开历史发展长卷，回望人类漫漫发展演进历史长河，在不同风格绘画笔法技巧艺术领域，在中国、欧洲各国，乃至世界各国各民族各文明，都沉淀着独属于自身的艺术基因与审美密码。
早在新石器时代晚期与原始部落社会，人类的艺术基因便已在岩壁与陶器上悄然萌发。欧洲阿尔塔米拉洞窟的野牛岩画，以简洁有力的线条捕捉猎物的动态，赭石与木炭的色彩虽历经万年仍依稀可辨，那是原始先民对自然的敬畏与生存的记录。而在一朴素的笔触中，已显露出东西方及世界各国审美对和谐意境的追求。
那时的绘画尚无成熟的技法体系，却以最本真的方式回应着对世界的感知——或是用手指蘸取天然颜料涂抹岩壁，或是用尖锐石器刻画陶器表面，每一道痕迹都是情感的直接流露，每一种图案都是文明的最初印记。这些跨越时空的艺术遗存，如同散落长河的第一颗星辰，虽稚嫩却明亮，为后来各文明绘画艺术的发展埋下了最初的火种，让我们得以窥见人类审美意识诞生时最纯粹的模样。
与此同时，在中国广袤大地上孕育的裴李岗文化、磁山文化、仰韶文化、河姆渡文化、大汶口文化、龙山文化、良渚文化、红山文化，以及同时期世界各国各文明的代表性文化遗址的洞穴岩壁画、石制玉制乃至早期青铜金属工具器皿，还有其他手工艺品中，对于绘画技巧技艺的认识，我们也会发现，原始先民已从“本能记录”迈向“主动创造”，在材质与形式的探索中，悄然构建起艺术表达的最初框架。
中国裴李岗文化的陶器上，简单的绳纹、划纹已不是随意的痕迹，而是通过规律排列形成装饰性图案，暗含对“秩序美”的初步感知；仰韶文化的彩陶更进一步，将线条与色彩结合，除了人面鱼纹，马家窑文化的漩涡纹以流畅的曲线模拟水流动态，展现出对“动感与韵律”的捕捉能力。
河姆渡文化的骨雕、玉琮上的阴刻纹样，用精细的线条刻画动植物形象，显示出对“细节写实”的追求；红山文化的玉猪龙，以简洁夸张的线条勾勒龙的轮廓，又在眼部、鼻部的刻画中保留具象特征，已然具备“写意与写实结合”的萌芽。
放眼世界，两河流域苏美尔文明的泥板上，用楔形文字刻画出的人物与动物，线条虽质朴却能清晰区分形态；古埃及前王朝时期的陶器彩绘，以平涂的色彩和对称的构图表现生活场景，形成了稳定的视觉范式。这些早期遗存证明，无论东方还是西方，人类对绘画技巧的探索都遵循着“从简单到复杂、从实用到审美”的路径——从利用天然材质的本色，到主动调配色彩；从单一的线条刻画，到组合图案与构图；从对自然的直接模仿，到融入主观情感与文化符号。
这些散落于不同文明的艺术碎片，共同构成了人类绘画技艺起源的“基因图谱”，也预示着此后各文明艺术风格的多元发展方向。
紧接着，伴随着生产力进一步发展，生产关系进一步优化，生产工具性能的进一步提升，当人类社会逐渐脱离野蛮时代，逐步朝奴隶社会与封建社会发展演进时，在中国、欧洲各国，乃至世界各国各民族各文明，对于绘画工具制作使用、绘画技巧技艺和风格艺术等领域的认知实践，也早已从原先朴素的“本能探索”转向系统的“自觉创造”，绘画不再仅仅是生存与信仰的附属，更成为承载文化、彰显权力、民间世俗与表达审美追求的独立艺术形态。
而在这一相对漫长曲折的历史阶段，无论是宫廷还是民间绘画艺人大师之手的绘画技巧技艺，和书法以及其他文学艺术精神产品，不仅映射脱胎于个人群体自画像，民间市景朝堂宫廷乃至大自然万事万物和浩瀚宇宙世间百态，同时还夹杂了作者在不同时期和人生处境时对待家国、官场、个人乃至社会的心态意境哲思交织变化，承载了朝代更迭传承、师徒相授和不同门派表现表达方式，以及除去从本土诞生衍生相应国家民族风技巧外，还在世界日益融合之中，在不同阶段呈现独具特色的个人和群像化绘画表现手法，同时还与哲学文学以及其他领域日益交织之下，形成了愈发庞大的专业网络。
与此同时，在雨后春笋一样规模庞大且数量众多的专业领域总结延伸着作理论典籍和文学艺术作品创作的时代浪潮下，这些内容也无不生动的体现展现出来。
在中国，早在夏商周时期，绘画便已成为“礼治”体系的重要组成部分，其技巧与风格深深服务于等级秩序与宗教信仰。夏代的陶器彩绘虽遗存有限，但从二里头遗址出土的陶片上，仍能看到简洁规整的几何纹样，线条粗细均匀，色彩以黑、白、褐为主，已显现出对“秩序感”的刻意追求，与当时的祭祀礼仪相呼应。
商代是青铜艺术的鼎盛期，绘画与青铜铸造工艺深度融合。青铜器上的饕餮纹、夔龙纹以对称构图和刚劲线条构建出神秘庄严的视觉效果，工匠们通过“范铸法”将复杂图案精准复刻，线条转折处利落有力，既展现出高超的雕刻与绘画结合技艺，也暗藏着商人对神灵与祖先的敬畏。此时的玉器雕刻也兼具绘画性，妇好墓出土的玉凤，以流畅的弧线勾勒羽翼与身形，线条简洁却神韵十足，达到了“以形传神”的早期境界。
西周延续了商代的艺术传统，但风格更趋规整典雅。青铜礼器上的纹饰从商代的繁复神秘转向简化庄重，窃曲纹、波带纹等线条婉转流畅，构图对称均衡，体现出“礼崩乐坏”前夕的理性审美。这一时期的帛画虽极少遗存，但从文献记载“设色之工，画、缋、钟、筐、?”可知，绘画已成为独立的手工业门类，工匠分工明确，技巧趋于专业化。
春秋战国时代，社会剧变与“百家争鸣”的思想浪潮，推动绘画艺术突破商周以来的礼仪束缚，迈向“自觉表达”的新境界。此时的绘画不再仅仅是宗教与权力的附属，更成为承载士人情怀、记录现实生活与探索审美规律的重要载体。
在题材上，绘画开始从神权与王权的垄断中走出，转向对人间百态的描摹。《人物龙凤图》与《人物御龙图》作为迄今发现最早的独立帛画，以细腻流畅的墨线勾勒出士大夫的形象，线条粗细变化富有韵律，衣袂飘举如行云流水，不仅准确表现了人体结构，更通过眼神与姿态的刻画，传递出人物对精神超越的追求，标志着中国绘画“以线造型”与“以形传神”传统的正式确立。此外，漆器绘画也蓬勃兴起，曾侯乙墓出土的漆棺与漆器上，红、黑、金三色交织，图案涵盖龙凤、云气、几何纹及现实生活场景，线条灵动多变，色彩对比强烈，展现出精湛的设色与构图技巧，成为当时贵族与民间审美融合的缩影。
在技巧上，绘画与书法的关联日益紧密，“书画同源”的理念初露端倪。毛笔的形制更趋完善，兔毫、羊毫的细分让线条既能挺拔如剑，也能柔婉如丝，画家开始注重线条的书写性与表现力。同时，矿物颜料的提炼技术升级，朱砂、石青、石绿等色彩更显艳丽持久，为后世工笔重彩画的发展奠定了基础。在构图上，画家已能巧妙处理空间层次，将现实场景与神话想象融为一体，展现出对画面整体感与叙事性的探索。
在思想内涵上，绘画成为诸子百家思想传播的重要媒介。儒家强调绘画的教化功能，主张通过图像弘扬“仁”“礼”之道；道家则影响了绘画对“自然”与“意境”的追求，推动画家在作品中融入对宇宙规律与生命本质的思考。这种思想的交融，让绘画不再仅仅是视觉艺术，更成为承载哲学思辨与精神追求的文化载体。
春秋战国时期的绘画实践，不仅在技巧上实现了从“工艺装饰”到“艺术表达”的跨越，更在理念上确立了中国绘画注重精神内涵与文化品格的传统，为秦汉绘画的繁荣与魏晋南北朝绘画的“自觉”埋下了重要伏笔。
秦两汉时期，大一统的帝国气象为绘画艺术注入了雄浑壮阔的精神内核，使其在题材拓展、技巧精进与功能深化上实现了质的飞跃，成为连接先秦传统与魏晋自觉的关键桥梁。
秦朝以法家思想为治，绘画艺术高度服务于皇权统治。秦始皇陵兵马俑军阵，虽为陶塑却暗藏绘画匠心——陶俑表面先施一层细泥，再以朱红、粉绿、紫色等矿物颜料勾勒眉眼、服饰纹路，甚至连铠甲的甲片排列、发式的细节都刻画得精准入微。千人千面的神情与规整划一的军阵布局，既展现了“以形写实”的高超技巧，更以视觉震撼彰显了秦帝国“书同文、车同轨”的统一气魄。此外，咸阳宫遗址出土的壁画残片，以粗犷的线条绘制龙纹、凤纹与车马出行图，色彩浓烈，构图对称，延续了战国以来的装饰传统，又融入了皇权的威严感。
两汉承秦制而兴，国力强盛催生了绘画的多元化发展。宫廷绘画体系愈发完善，设立“黄门画者”“尚方画工”等职位，画师专门负责绘制帝王肖像、历史典故与宫苑景致，如《汉书·霍光传》记载的“画周公负成王图”，便是通过图像弘扬儒家“忠君孝亲”的教化功能，将绘画与政治伦理紧密结合。长沙马王堆汉墓出土的t型帛画，堪称汉代绘画的巅峰之作：画面纵向分为天上、人间、地下三部分，上方以日月星辰、女娲伏羲象征天界，中间刻画墓主人辛追夫人的出行仪仗，下方以龟蛇、鱼龙代表幽冥。线条如“春蚕吐丝”般细腻流畅，色彩以朱砂、石青、石绿为主，浓艳而和谐，既展现了“天人合一”的哲学思想，也体现了汉代工匠对空间层次与叙事逻辑的精妙把握。
民间绘画则以墓室壁画、画像石与画像砖为主要载体，充满生活气息。河南南阳汉画像石中，《耕织图》以简洁有力的线条刻画农夫劳作、织女纺织的场景，《乐舞百戏图》则展现了杂技、歌舞的热闹场面，线条刚劲质朴，构图饱满生动，将市井百态定格于石材之上。山东嘉祥武氏祠的画像石，更是以连环画的形式讲述《孔子见老子》《荆轲刺秦王》等历史故事，通过人物动态与神情的对比，营造出强烈的叙事张力，成为民间艺术与历史教化融合的典范。此外，汉代的漆器绘画、帛画小品也各具特色，题材从贵族生活延伸至渔猎、农耕、宴饮等日常场景，线条与色彩的运用更趋灵活，体现出审美与现实生活的紧密联结。
在技巧层面，汉代绘画进一步完善了“以线造型”的传统。毛笔的制作工艺愈发精细，兔毫、羊毫的细分让线条既能以“铁线描”表现庄重肃穆，也能以“行云流水描”传递灵动飘逸。矿物颜料的提炼技术升级，不仅色彩种类增多，附着力也更强，如马王堆帛画历经两千余年仍色彩鲜艳。构图上，画家已能通过人物大小、位置排布与背景渲染，营造出空间纵深感，打破了早期平面化的表现方式。同时，“书画同源”的理念进一步发展，书法的笔法技巧逐渐融入绘画，让线条更具书写性与表现力。
秦两汉时期的绘画，以其雄浑的气魄、丰富的题材与精湛的技巧，不仅总结了先秦以来的艺术成就，更将绘画的社会功能从“礼治”拓展至“教化”“记录”与“审美”，确立了中国绘画注重精神内涵与现实关联的传统。这种艺术实践，既为魏晋南北朝“文人画”的兴起埋下伏笔，也为后世绘画的题材与技巧发展奠定了坚实基础。
随后不久，到了三国两晋南北朝时期，社会动荡与思想解放的碰撞，让绘画艺术摆脱了秦汉以来的雄浑范式，迈入“文人自觉”的黄金时代，成为士人表达精神追求与个体意识的核心载体。
这一时期，“文人画”的雏形正式出现，画家不再仅仅是宫廷工匠，更以士大夫身份参与艺术创作。顾恺之提出“以形写神”的绘画理论，其《洛神赋图》以“高古游丝描”勾勒人物与景致，曹植与洛神的神情流转间暗藏缠绵情思，线条婉转如行云流水，将文学叙事与视觉艺术完美融合，成为“传神论”的实践典范。此外，他的《女史箴图》以历史典故为题材，通过人物动态与神情的细腻刻画，传递儒家“女德”教化思想，却在细节中融入文人对精神品格的追求。
绘画题材进一步拓展，除了传统的历史、神话，山水、花鸟开始成为独立主题。宗炳的《画山水序》首次系统阐述山水画理论，提出“澄怀味象”的审美理念，主张通过山水画体悟自然之道；王微的《叙画》则强调绘画的“畅神”功能，将山水从“地理志”式的记录提升为精神寄托。此时的山水画虽未完全成熟，却已摆脱“人大于山”的早期模式，开始注重空间比例与意境营造，为后世山水画的发展奠定了理论与实践基础。
在技巧上，毛笔的运用愈发精妙，线条的表现力达到新高度——既有顾恺之“春蚕吐丝”的细腻，也有陆探微“一笔画”的简练，线条不仅是造型工具，更成为传递情感与精神的载体。色彩运用则趋于清雅，不再局限于秦汉的浓艳矿物色，植物颜料的使用增多，形成了恬淡自然的色彩风格。同时，“书画同源”的理念进一步深化，书法的笔法技巧如中锋、侧锋的运用，逐渐融入绘画线条，让画面更具书写性与艺术张力。
随着佛教的传入与兴盛，宗教绘画成为重要题材。敦煌莫高窟的北朝壁画，以粗犷有力的线条绘制佛本生故事与飞天形象，色彩浓烈而不失庄严，如《鹿王本生图》以连环画形式讲述佛陀前世的善行，构图饱满，叙事清晰，展现出民间工匠与文人画家的技艺融合。此外，墓室壁画仍延续传统，但风格更趋细腻，题材从现实生活转向精神世界，体现出时代的思想变迁。
这一时期的绘画实践，不仅在技巧上实现了从“形似”到“神似”的跨越，更在理念上确立了文人画“注重精神内涵、强调个体表达”的核心传统，为隋唐绘画的鼎盛埋下了重要伏笔。
而在隋唐之际，大一统的盛世气象与开放包容的文化氛围，让绘画艺术迎来“雄浑壮丽”的巅峰，宫廷绘画、文人绘画与民间绘画并行发展，形成了多元繁荣的艺术格局。
隋朝虽短暂，却为唐代绘画奠定了基础。展子虔的《游春图》是中国现存最早的卷轴山水画，以细腻的线条勾勒山水、人物与楼阁，色彩清丽，构图注重空间层次，打破了“人大于山”的传统，标志着山水画已成为独立成熟的画科。此外，隋朝的墓室壁画与石窟绘画延续北朝风格，却在线条与色彩上更趋细腻，为唐代绘画的技巧精进积累了经验。
唐代是中国绘画的黄金时代，宫廷绘画体系愈发完善，设立“画院”机构，聚集了阎立本、吴道子等一批大师。阎立本的《步辇图》以历史事件为题材，刻画唐太宗接见吐蕃使者禄东赞的场景，线条刚劲有力，人物神情精准传神，既展现了大唐的国威，也暗藏着民族融合的时代内涵；其《历代帝王图》则通过对不同帝王肖像的刻画，传递出“成教化、助人伦”的教化功能。吴道子被誉为“画圣”，他开创的“吴带当风”画法，以飘逸洒脱的线条表现人物衣袂与山水动态，如《送子天王图》中，天王、力士与菩萨的衣袂仿佛随风飘动，充满动感与气势，将线条的表现力推向极致。
山水画在唐代进一步成熟，形成了“青绿山水”与“水墨山水”两大流派。李思训、李昭道父子的青绿山水画，以浓郁的矿物颜料（石青、石绿）绘制山水，色彩艳丽，构图严谨，如《江帆楼阁图》展现了江南山水的雄浑壮丽，成为宫廷审美与贵族趣味的代表；而王维则开创了水墨山水画的先河，以“诗中有画，画中有诗”的理念创作，其画作注重意境营造，线条简练，墨色淡雅，如《辋川图》以水墨勾勒辋川别业的景致，暗藏着道家“道法自然”的哲学思想，为后世文人画的发展奠定了基石。
花鸟画也在唐代成为独立画科，薛稷的鹤画、边鸾的花鸟画，以细腻的笔触刻画动植物形象，色彩鲜艳，写实性强，展现出对自然美的精准捕捉。此外，唐代的宗教绘画依然繁荣，敦煌莫高窟的唐代壁画达到巅峰，以宏大的规模、精湛的技巧绘制佛国世界，如《飞天》壁画，人物姿态轻盈飘逸，色彩浓烈和谐，体现出大唐的开放与包容。
民间绘画同样蓬勃发展，墓室壁画、屏风画与版画等形式多样，题材涵盖市井生活、宴饮娱乐等，线条与色彩更趋灵活，充满生活气息。同时，唐代绘画理论也取得突破，张彦远的《历代名画记》系统总结了中国绘画的发展历史与技巧理论，提出“气韵生动”的审美标准，成为中国绘画史上的重要典籍。
隋唐之际的绘画，以其雄浑的气魄、精湛的技巧与多元的风格，不仅总结了前代的艺术成就，更确立了中国绘画“注重意境、强调气韵”的审美追求，对后世绘画产生了深远影响。
到了后来，在五代十国战乱年代，中原大地虽政权更迭频繁、战火纷飞，绘画艺术却未停滞，反而在分裂与割据中形成了“区域深耕”的独特态势，为宋代绘画的巅峰奠定了技法与风格的基石。
这一时期，绘画的核心区域逐渐向相对稳定的南方转移，南唐与西蜀成为艺术发展的两大中心。南唐设立“翰林图画院”，聚集了周文矩、顾闳中、董源等一批大师。顾闳中的《韩熙载夜宴图》以长卷形式，细腻刻画了韩熙载府邸夜宴的全过程，线条遒劲流畅，人物神情各异——韩熙载的沉郁、歌女的娇羞、宾客的欢愉皆跃然纸上，通过对服饰、器物、场景的精准还原，既展现了五代贵族的生活百态，也暗藏着对时代动荡的隐喻，其“以形传神”的技巧已臻成熟。周文矩的《重屏会棋图》则以简练的线条与巧妙的构图，将人物与多重屏风融为一体，营造出空间的层次感，同时通过人物的姿态与神情，传递出皇室成员间的微妙关系。
西蜀同样设立画院，黄筌、黄居寀父子的工笔花鸟画独树一帜。黄筌的画作以细腻的笔触、艳丽的色彩刻画宫廷珍禽异兽，如《写生珍禽图》中，蝉、雀、龟等形象栩栩如生，羽毛与鳞甲的质感通过精准的线条与色彩晕染完美呈现，形成了“黄家富贵”的风格，成为后世工笔花鸟画的典范。此外，西蜀的宗教绘画也颇具特色，贯休的《十六罗汉图》以夸张的笔法刻画罗汉形象，面部神情奇特，线条刚劲有力，充满神秘肃穆之感，突破了传统宗教绘画的程式化。
在山水画领域，董源开创了“江南水墨山水”流派。其《潇湘图》以柔和的线条、淡雅的墨色描绘江南水乡的烟雨朦胧之景，山峦以“披麻皴”技法表现，树木葱郁，江水浩渺，画面充满诗意与意境，摆脱了唐代青绿山水的雄浑壮丽，转向对自然本色的细腻捕捉，为宋代文人山水画的“平淡天真”风格埋下伏笔。
尽管处于战乱年代，五代十国的绘画仍在题材、技巧与理念上实现了突破：人物画更注重对心理与时代背景的刻画，花鸟画形成了工笔写实的成熟范式，山水画则确立了水墨抒情的新方向。同时，画院制度的完善与画家身份的专业化，进一步推动了绘画技巧的传承与创新，这些实践不仅承接了隋唐的艺术成就，更以“精研细节、注重意境”的特质，为宋代绘画的“全面繁荣”铺平了道路。
紧接着，在辽宋夏金元时期，民族融合的浪潮与多元文化的碰撞，让绘画艺术突破了前代的地域与风格局限，形成了“写实与写意并存、宫廷与民间共荣”的丰富格局，成为中国绘画史上承前启后的重要阶段。
宋代是这一时期绘画的核心，崇文抑武的国策推动了文化艺术的空前繁荣，画院制度的完善让宫廷绘画达到新高度，同时文人画的兴起也为艺术注入了新的精神内涵。北宋画院以“写实”为核心标准，张择端的《清明上河图》堪称典范——这幅长卷以细腻的笔触、严谨的构图，全景式描绘了北宋都城汴京的市井百态，从汴河上的漕船到街头的商铺，从官吏的出行到百姓的劳作，人物、器物、建筑皆精准还原，线条流畅而富有质感，色彩淡雅却层次分明，不仅展现了高超的写实技巧，更以“以画证史”的方式记录了宋代的社会风貌。此外，王希孟的《千里江山图》以浓艳的青绿山水展现了大宋的雄浑气象，线条精细，色彩富丽，将青绿山水的技法推向巅峰。
南宋绘画则因偏安江南，风格转向“精巧写意”。马远、夏圭开创的“马一角”“夏半边”构图，以简洁的笔墨与留白营造出深远的意境，如马远的《寒江独钓图》，仅以寥寥数笔勾勒渔翁与小舟，大面积留白表现江水的浩渺，将“写意”精神与空间营造完美结合。文人画在宋代进一步成熟，苏轼提出“士人画”理念，主张绘画应“不求形似，当求其神”，他的《枯木怪石图》以简练的墨线勾勒枯木与怪石，线条苍劲有力，暗藏着文人的孤傲品格。此外，米芾、米友仁父子的“米点山水”，以水墨点染表现江南烟雨朦胧之景，打破了传统线条勾勒的范式，更注重意境与情感的表达。
辽、夏、金作为少数民族政权，其绘画既保留了本民族的特色，又吸收了汉地艺术的精华。辽代墓室壁画以写实的手法刻画契丹族的生活场景，如《卓歇图》中，人物、马匹的形象生动传神，线条刚劲质朴，色彩浓烈；西夏的佛教绘画则融合了汉地与西域风格，敦煌莫高窟的西夏壁画，以细腻的线条与浓郁的色彩绘制佛国世界，人物形象兼具庄严与灵动；金代绘画受北宋影响较深，王庭筠的《幽竹枯槎图》以文人画的笔墨表现自然景致，线条简练，意境清雅，体现了民族文化的融合。
元代则迎来了文人画的鼎盛时期，科举制度的废除让大量文人转向艺术创作，绘画成为他们抒发情感、坚守气节的重要载体。赵孟頫作为元代画坛的领袖，提出“书画同源”的核心理念，主张以书法笔法入画，他的《鹊华秋色图》以流畅的线条与淡雅的墨色描绘济南山水，将书法的“用笔”与绘画的“造型”完美融合，画面充满诗意与书卷气。此外，黄公望的《富春山居图》以细腻的“披麻皴”技法与简练的墨色，描绘富春江的四季景致，构图宏大而意境悠远，成为元代文人山水画的巅峰之作。花鸟画则以“写意”为主，王冕的《墨梅图》以墨笔勾勒梅花，线条简练，墨色浓淡相间，展现出梅花的傲骨与文人的高洁情怀。
这一时期的绘画理论也愈发成熟，郭熙的《林泉高致》系统阐述了山水画的创作理念与技法，提出“三远法”（高远、深远、平远）的空间理论；倪瓒的《云林画论》则强调绘画应“逸笔草草，不求形似”，进一步深化了文人画的审美追求。辽宋夏金元时期的绘画，以其多元的风格、精湛的技巧与丰富的精神内涵，不仅总结了前代的艺术成就，更确立了文人画在中国绘画史上的主导地位，为明清绘画的发展奠定了坚实基础。
而在紧随其后的明清两代，中国绘画在传承前代传统的基础上，迎来了流派纷呈、名家辈出的收官阶段，同时也在社会变革与文化反思中，孕育出突破传统的新活力。
明代绘画以“流派竞辉”为显着特征，宫廷绘画、文人画与民间绘画形成三足鼎立之势。明初宫廷画院延续宋代写实传统，戴进、吴伟等画家以精湛的笔墨技巧绘制山水、人物，既有宫廷绘画的富丽堂皇，又融入民间的生活气息，形成“浙派”画风。中期以后，文人画成为画坛主流，沈周、文徵明、唐寅、仇英组成的“明四家”，以笔墨抒发文人情怀——沈周的《庐山高图》以雄浑的笔墨表现山川气势，暗藏对恩师的敬仰；文徵明的《江南春图》以细腻的线条与淡雅的色彩，展现江南水乡的诗意；唐寅的《王蜀宫妓图》则以工笔重彩刻画宫廷女子，线条流畅，色彩艳丽，却暗含对世俗的批判；仇英的《清明上河图》（仿作）以细腻的笔触还原市井百态，展现出高超的写实技巧。此外，徐渭开创的“泼墨大写意”画风，以奔放的笔墨与强烈的情感表达打破传统桎梏，其《墨葡萄图》以淋漓的墨色与简练的线条，将葡萄的鲜活与自身的愤懑之情融为一体，成为中国写意画的里程碑。
清代绘画在继承明代流派的基础上，进一步拓展了艺术的边界。清初“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）以摹古为核心，注重笔墨的程式化与意境的营造，其山水画构图严谨，笔墨精湛，成为宫廷审美与文人传统的代表。而“四僧”（八大山人、石涛、髡残、弘仁）则以绘画抒发亡国之痛与遗民情怀，八大山人的《荷石水禽图》以简洁的笔墨与夸张的形象，传递出孤傲与悲凉；石涛提出“搜尽奇峰打草稿”的创作理念，其《搜尽奇峰图卷》以灵动的笔墨与多变的构图，展现出对自然的独特感悟。清代中期，“扬州八怪”（郑板桥、金农、黄慎等）以民间画家的身份崛起，他们的作品题材贴近生活，笔墨泼辣自由，郑板桥的《墨竹图》以挺拔的线条与浓淡相间的墨色，表现竹子的高洁品格，同时暗含对民生疾苦的关怀。此外，清代宫廷绘画还融入了西方绘画的元素，郎世宁等传教士画家将透视法、明暗技法与中国传统笔墨结合，创作了《百骏图》等作品，展现出中西合璧的艺术特色。
在绘画理论方面，明清两代也取得了丰硕成果。明代董其昌提出“南北宗论”，将中国山水画分为“南宗”（文人画）与“北宗”（宫廷画），强调文人画的审美价值，对后世画坛影响深远；清代石涛的《苦瓜和尚画语录》系统阐述了“一画论”，主张绘画应“借古以开今”，注重个性与创新。
明清两代的绘画，既是对中国传统绘画的总结与传承，也在社会变迁与文化融合中展现出多元的发展态势。无论是文人画的精神追求、宫廷画的富丽堂皇，还是民间画的生活气息，都共同构成了中国绘画史上的最后一抹辉煌，为中国传统绘画艺术画上了圆满的句号。
而在欧洲各国，早在古希腊古罗马时期，对于绘画工具制作使用、绘画技巧技艺和风格艺术，还有相应文学艺术作品和着作典籍理论等领域，便已开启了系统的“自觉探索”，形成了与东方文明迥异却同样璀璨的艺术传统。
古希腊人将绘画与雕塑、建筑并列为“三大艺术”，视其为展现“理想美”的重要载体。在工具使用上，他们已熟练掌握毛笔、刮刀等工具，颜料则以矿物色（如朱砂、赭石）与植物色为主，通过混合蜡或蛋清制成“蜡彩”“蛋彩”，增强色彩的附着力与持久度。在技巧上，古希腊画家注重“写实与理想的结合”，既精准观察人体结构，如《掷铁饼者》的绘画版本（虽原作失传，但通过文献与摹作可知）中，人物肌肉线条流畅，动态精准，展现出对人体解剖学的早期认知；又追求比例的和谐与神韵的表达，提出“黄金分割”法则，将其应用于构图与人物造型，力求画面的均衡与完美。题材上，多以神话故事、英雄传说与日常生活为核心，如帕特农神庙的壁画便描绘了神只聚会、祭祀仪式等场景，线条简练有力，色彩庄重典雅，既服务于宗教信仰，也彰显了城邦的文化精神。
古罗马则继承并发展了古希腊的绘画传统，同时更注重绘画的“实用与叙事功能”。在工具与材料上，古罗马人进一步改良了颜料提炼技术，引入了紫色、蓝色等更稀有的色彩，并将绘画广泛应用于建筑装饰（如壁画）、木板画与羊皮卷插图。庞贝古城的壁画遗存堪称典范，其风格多样，既有模仿大理石纹理的“拟石画”，以细腻的笔触营造空间错觉；也有描绘神话故事与田园风光的“叙事画”，如《狄俄尼索斯与阿里阿德涅》壁画，线条流畅，色彩鲜艳，构图注重对称与层次，通过人物的神情与动态传递故事情感。此外，古罗马的肖像画也极具特色，画家以写实的笔触刻画人物面容，力求还原人物的真实神态，如《奥古斯都肖像》的绘画版本，通过对五官细节与神情的精准捕捉，展现出帝王的威严与气质。在理论与着作方面，古罗马建筑师维特鲁威的《建筑十书》中，专门论述了绘画与建筑的关系，强调绘画的“装饰性与功能性”，提出“绘画应服务于建筑的整体和谐”，成为早期西方艺术理论的重要文献。
就在这之后不久，伴随着封建王朝中世纪的到来，欧洲绘画艺术的发展轨迹发生了剧烈转折，从古希腊罗马的“人文写实”转向了“宗教神性”的表达，成为服务于基督教神学的重要工具。
中世纪早期（约5-10世纪），由于日耳曼蛮族的入侵与西罗马帝国的灭亡，大量古希腊罗马的艺术遗产遭到破坏，绘画艺术陷入相对沉寂，主要以“蛮族艺术”与“早期基督教艺术”为主。蛮族艺术以金属工艺装饰为核心，绘画多依附于手抄本插图，如《林迪斯法恩福音书》的插图，线条扭曲夸张，色彩浓烈鲜艳，充满神秘的象征意味，图案多以几何纹与抽象化的动植物为主，较少表现人物，体现出蛮族部落的原始信仰与审美趣味。早期基督教艺术则以“地下墓穴壁画”与“教堂镶嵌画”为主要形式，题材严格限定于《圣经》故事与宗教象征，如耶稣受难、圣母抱子、圣徒肖像等。在技巧上，线条简洁生硬，人物形象扁平化，缺乏立体感，眼神空洞却充满庄严感，色彩以金、蓝、红为主，象征天国的神圣与永恒。如罗马圣克莱门特教堂的镶嵌画，以金色为背景，人物以简洁的线条勾勒，姿态僵硬却传递出宗教的肃穆与威严，其核心目的在于“传递教义、引导信仰”，而非展现艺术本身的审美价值。
中世纪盛期（约11-13世纪），随着哥特式教堂的兴起，绘画艺术迎来了新的发展。哥特式教堂的彩色玻璃窗成为这一时期的标志性“绘画”形式，工匠们以彩色玻璃为“颜料”，通过切割、拼接与铅条固定，在窗户上描绘《圣经》中的叙事场景，如巴黎圣母院的彩色玻璃窗，以红、蓝、紫等浓烈色彩构建出“最后的审判”“圣母生平”等画面，阳光透过玻璃洒入教堂，形成斑斓的光影，营造出神秘而神圣的氛围，让信徒仿佛置身于“天国”之中。此外，手抄本插图也进一步发展，如《贝里公爵的豪华时祷书》插图，线条更趋细腻，色彩更显丰富，人物形象虽仍带有程式化特征，但已开始注重情感的表达与场景的营造，画面充满华丽的装饰性，既服务于宗教祈祷，也体现了贵族的审美趣味。在理论层面，中世纪的艺术理论多依附于神学，如托马斯·阿奎那在《神学大全》中提出“艺术是对自然的模仿，而自然是上帝的创造，因此艺术应间接服务于上帝”，将绘画的价值严格限定在宗教范畴内，这种理念深刻影响了中世纪绘画的发展方向，使其在长达千年的时间里，始终围绕“神性表达”展开，形成了独特的艺术风貌。
与此同时，在同时期的古印度、阿拉伯世界、美洲和非洲地区，对于绘画工具制作使用、绘画技巧技艺和风格艺术，还有相应文学艺术作品和着作典籍理论等领域的认知理解与认识，也各自形成了独具特色的体系，在人类艺术史上留下了浓墨重彩的篇章。
古印度的绘画艺术始终与宗教信仰、哲学思想紧密相连，以“神性表达”与“象征美学”为核心特质。早在公元前3世纪的孔雀王朝时期，绘画便已广泛应用于宫殿装饰与宗教场所，虽遗存较少，但从文献《政事论》中可知，当时已出现专业的画师群体，擅长以矿物颜料（如青金石、赭石）绘制神话场景。
笈多王朝时期（4-6世纪）是古印度绘画的黄金时代，阿旃陀石窟壁画堪称典范。画师们以细腻的线条、丰富的色彩刻画佛教故事与神灵形象，如《须大拏太子本生图》，人物神情温婉，衣袂飘举如行云流水，色彩以红、黄、绿为主，通过晕染技法营造出立体感与空间感。画面中既展现了对人体美的精准把握，又融入了“业报轮回”的哲学思想，每一处细节都暗含象征意义——莲花代表纯洁，大象象征智慧，体现出“艺术服务于宗教哲学”的核心理念。
此外，古印度的绘画理论也颇具深度，《画经》（约公元1世纪）系统阐述了绘画的创作原则，提出“六支”理论，包括“形别”（形象识别）、“量度”（比例尺度）、“情”（情感表达）等，强调绘画应“以形传神”，通过外在形象传递内在精神，这一理论对后世印度艺术影响深远。
阿拉伯世界的绘画艺术在伊斯兰教文化的影响下，形成了“抽象装饰”与“叙事隐喻”并存的独特风格。由于伊斯兰教禁止偶像崇拜，早期绘画多以几何纹样、植物图案与阿拉伯书法为核心，称为“伊斯兰装饰艺术”。画师们将复杂的几何图形（如圆形、三角形）与缠绕的植物藤蔓组合，通过对称、重复的构图，营造出华丽而和谐的视觉效果，广泛应用于清真寺墙壁、陶瓷器皿与纺织品中，如西班牙阿尔罕布拉宫的壁画，以蓝、金为主色调，线条流畅，图案繁复，展现出对“无限”与“神圣秩序”的追求。
随着阿拉伯帝国的扩张与文化融合，10世纪以后，叙事性绘画逐渐兴起，尤其是在波斯地区。波斯细密画堪称代表，画师们以细小的毛笔、鲜艳的矿物颜料，在羊皮卷或书籍插图中描绘神话故事、历史事件与宫廷生活，如《列王纪》插图，人物形象小巧精致，服饰华丽，背景充满想象色彩，构图注重平面化与装饰性，却通过人物的神情与动态传递出丰富的情感。此外，阿拉伯学者伊本·西那在《论灵魂》中，将绘画与感知心理学结合，提出“绘画是对自然的模仿，应通过色彩与线条唤起观者的情感共鸣”，推动了绘画理论的发展。
美洲地区的古代文明（如玛雅、阿兹特克、印加）在与旧大陆隔绝的情况下，独立发展出了极具本土特色的绘画艺术，以“宗教祭祀”与“社会记录”为主要功能。玛雅文明（约公元前2000年-公元1697年）的绘画多留存于陶器、壁画与抄本中，画师们以红色、黑色、蓝色等矿物颜料，描绘神只形象、祭祀仪式与天文历法，如博南帕克壁画，以鲜艳的色彩与夸张的线条刻画战争与祭祀场景，人物形象扁平却充满力量感，画面通过序列性构图讲述故事，兼具叙事性与宗教性。玛雅抄本（如《德累斯顿抄本》）则以象形文字与绘画结合的形式，记录天文观测与宗教预言，线条简练，符号性强，体现出玛雅人对宇宙规律的认知。
阿兹特克文明（约1325年-1521年）的绘画同样服务于宗教与政治，特诺奇蒂特兰城的宫殿壁画以明亮的色彩描绘神权与王权的象征，如太阳神庙的壁画，以金色与红色为主，刻画太阳神与祖先形象，充满庄严的祭祀氛围。印加文明（约1438年-1533年）虽以建筑与金属工艺闻名，但绘画艺术也颇具特色，主要以织物绘画（如“克丘亚布”）为主，通过彩色丝线编织出人物、动物与几何图案，图案对称规整，色彩鲜艳，既体现了印加人的审美趣味，也承载着社会等级与宗教信仰的信息。
非洲地区的绘画艺术以“原始质朴”与“精神崇拜”为核心，与部落的信仰、仪式及日常生活紧密相关，呈现出强烈的生命力与表现力。由于气候与材料的限制，非洲绘画多以岩画、壁画与面具装饰为主要形式。早期岩画（如撒哈拉沙漠的塔西里岩画）以简洁的线条刻画动物（如长颈鹿、羚羊）与人类狩猎场景，线条粗犷有力，构图简洁，通过动态的捕捉展现出原始人类对自然的敬畏与生存的渴望，颜料多以赭石、炭黑等天然矿物制成，历经千年仍色彩鲜明。
中世纪时期，非洲各族群的绘画艺术更趋多元化。西非的贝宁王国（约11世纪-19世纪）以青铜雕刻与壁画闻名，壁画多描绘国王与贵族的生活、战争场景，线条细腻，色彩丰富，人物形象庄重威严，体现出王国的权力与财富；东非的斯瓦希里文明则受阿拉伯文化影响，绘画多以几何纹样与植物图案装饰清真寺与民居，线条流畅，色彩明快，融合了本土与外来文化的特色。此外，非洲的绘画艺术始终与宗教仪式紧密结合，如面具上的绘画，通过夸张的色彩与图案（如红色象征力量，白色象征神圣），承载着部落对祖先、神灵的崇拜，成为沟通人与神灵的媒介。
这些地区的艺术实践虽因地理隔绝而呈现出鲜明的地域性，却共同印证了人类对“美”的普遍追求与艺术表达的多元可能，为全球艺术史的丰富性与多样性奠定了基础。
而在东亚与东欧地区，除了中国以外，日本与朝鲜半岛的古代文明，以及俄罗斯和东欧国家，在这一时期，同样在对应领域，留下了独特印记，成为区域艺术脉络中不可或缺的组成部分。
日本：日本绘画艺术始终在吸收中国文化的基础上，不断融入本土特质，形成了从“唐绘”到“大和绘”的独特演进轨迹。奈良时代（710-794年），日本全面效仿唐朝文化，绘画以“唐绘”为主，如正仓院藏《鸟毛立女屏风》，线条细腻流畅，色彩鲜艳富丽，人物形象与构图明显受唐代工笔重彩画影响，展现出对中国艺术的直接借鉴。平安时代（794-1185年），随着国风文化的兴起，“大和绘”逐渐取代唐绘成为主流，题材转向日本本土的风景、传说与日常生活，如《源氏物语绘卷》，以细腻的笔触刻画小说中的人物情感与场景，线条柔美，色彩清雅，通过“引目钩鼻”的简化人物造型与连续的画面叙事，形成了极具日本特色的绘画风格。镰仓时代（1185-1333年）以后，禅宗文化传入推动了水墨画的发展，雪舟等杨的《山水长卷》融合了中国宋元水墨画的笔墨意境与日本的自然观，画面简洁空灵，充满禅意。江户时代（1603-1868年），浮世绘的兴起让民间绘画达到巅峰，葛饰北斋的《富岳三十六景》以夸张的构图、鲜明的色彩刻画富士山与市井生活，木版画的制作工艺让艺术走向大众，其独特的透视与色彩运用甚至影响了欧洲印象派画家。在理论方面，日本学者尾形光琳的《琳派画法》总结了装饰性绘画的技巧，强调“自然之美与人工之巧的结合”，成为日本传统绘画的重要理论支撑。
朝鲜半岛：朝鲜半岛的古代绘画以“朝鲜画”为核心，始终秉持“师法自然”与“气韵生动”的理念，同时融入本民族的审美情趣。三国时代（公元前57年-公元668年），绘画多服务于宗教与王权，如高句丽古墓壁画《四神图》，以青龙、白虎、朱雀、玄武四神为主题，线条刚劲有力，色彩浓烈，构图对称庄重，既体现了对中国传统文化的吸收，又通过夸张的形象与动态展现出本土特色。统一新罗时代（668-935年），受唐代绘画影响，佛教壁画与卷轴画兴盛，庆州石窟庵的壁画以细腻的笔触刻画佛像与飞天，色彩清雅，神情庄严，展现出高超的写实技巧。高丽时代（918-1392年），文人画兴起，李齐贤、安坚等画家以水墨画描绘山水，借鉴中国宋元文人画的笔墨，却在构图与意境上追求“平淡天真”，如安坚的《梦游桃源图》，画面以柔和的线条与淡雅的墨色，营造出理想化的桃源仙境，暗含对现实的超脱。朝鲜王朝（1392-1910年），绘画进一步多元化，宫廷画院“图画署”推动了写实绘画的发展，金弘道的《风俗图》以细腻的笔触刻画民间生活场景，人物形象生动传神，充满生活气息；同时，“文人画派”则坚守传统，以笔墨抒发情怀，形成了“南宗北宗”并行的格局。朝鲜半岛的绘画理论多借鉴中国传统，却强调“本土风情的表达”，如《绘事备考》中提出“画者，心之迹也，当以本土之景抒本土之情”，体现了对民族艺术特色的坚守。
俄罗斯：俄罗斯的古代绘画艺术在东正教的影响下，形成了以“圣像画”为核心的早期风格，同时在与拜占庭及欧洲文化的交流中不断发展。基辅罗斯时期（9世纪-13世纪），受拜占庭影响，圣像画成为主要绘画形式，如《弗拉基米尔圣母像》，以金色为背景，人物形象庄严肃穆，线条简洁流畅，色彩浓艳，通过象征手法传递宗教的神圣与庄严，成为俄罗斯东正教艺术的经典。蒙古统治时期（13世纪-15世纪），俄罗斯绘画陷入沉寂，直至莫斯科公国崛起后，圣像画艺术迎来复兴，安德烈·鲁布廖夫的《三圣像》以柔和的色彩与和谐的构图，展现出三位一体的神性光辉，画面充满宁静与博爱，将俄罗斯圣像画推向巅峰。17世纪以后，俄罗斯开始向西欧学习，宫廷绘画兴起，布留洛夫的《庞贝城的末日》以宏大的构图、细腻的笔触与强烈的色彩对比，刻画了庞贝城毁灭的瞬间，融合了古典主义的写实技巧与浪漫主义的情感表达。19世纪，巡回展览画派的出现让俄罗斯绘画与现实生活紧密结合，列宾的《伏尔加河上的纤夫》以写实的手法刻画纤夫的艰辛生活，画面充满对底层人民的同情与对社会现实的批判，成为俄罗斯现实主义绘画的里程碑。在理论方面，俄罗斯美学家车尔尼雪夫斯基提出“艺术源于生活”的观点，深刻影响了19世纪俄罗斯绘画的发展方向。
东欧国家：东欧各国（如波兰、匈牙利、捷克等）的古代绘画艺术，在宗教信仰（天主教、东正教）与民族文化的双重影响下，呈现出多元融合的特色。中世纪时期，东欧绘画多以宗教壁画与祭坛画为主，受拜占庭与哥特式艺术影响，如波兰克拉科夫瓦维尔教堂的壁画，以鲜艳的色彩与精细的装饰刻画宗教故事，线条华丽，构图对称，体现出哥特式艺术的庄严与拜占庭艺术的神秘。文艺复兴时期，东欧各国开始吸收意大利文艺复兴的人文主义思想，绘画题材从宗教转向世俗，如匈牙利画家米哈伊·蒙卡奇的《死囚的最后一天》，以写实的手法刻画死囚的情感与社会的冷漠，人物形象生动，情感真挚，融合了文艺复兴的写实技巧与民族的历史记忆。19世纪，东欧各国的民族主义兴起，绘画成为表达民族认同的重要载体，捷克画家阿尔丰斯·穆夏的装饰画以流畅的线条、华丽的色彩与浪漫的主题，展现出捷克民族的审美特色，其作品不仅在艺术上极具影响力，更成为民族文化的象征。
至于东南亚地区，其古代绘画艺术在印度文化与本土信仰的交织影响下，形成了以“宗教叙事”与“装饰美学”为核心的独特风格，成为连接东亚与南亚艺术的重要纽带。
东南亚地区的绘画艺术始终与宗教信仰（印度教、佛教）紧密相连，同时融入本土的自然崇拜与生活习俗。柬埔寨吴哥窟的壁画堪称东南亚古代绘画的巅峰，以细腻的线条与鲜艳的色彩刻画印度教史诗《罗摩衍那》与《摩诃婆罗多》的故事，画面中人物形象庄严，服饰华丽，通过连续的构图展现出宏大的叙事场景，壁画中还融入了柬埔寨本土的生活场景与动植物形象，如仙女阿普萨拉的舞姿轻盈飘逸，线条柔美流畅，体现出对“神性与人性”的双重表达。泰国素可泰时期（1238-1438年）的绘画以佛教题材为主，如素可泰古城的壁画，以简洁的线条与淡雅的色彩刻画佛陀的生平故事，人物形象圆润饱满，充满宁静与祥和，展现出泰国本土对佛教艺术的诠释。印度尼西亚爪哇岛的婆罗浮屠壁画则以佛教本生故事为主题，画面构图严谨，线条细腻，色彩以红、黄、绿为主，通过人物的神情与动态传递出佛教的教义与哲理，同时融入了爪哇本土的植物图案与装饰元素，形成了独特的“爪哇式佛教艺术”。
在工具与材料方面，东南亚画家多以天然矿物颜料（如赭石、青金石）与植物颜料为主，绘画载体包括寺庙墙壁、棕榈叶、皮革等，如缅甸的“棕榈叶绘画”，以细小的毛笔在处理过的棕榈叶上描绘佛教故事，线条精细，色彩鲜艳，通过层叠的画面与简洁的符号，展现出高超的艺术技巧。此外，东南亚绘画还注重“装饰性与象征性”，如越南占婆时期的壁画，以几何纹样与植物图案为背景，人物形象夸张变形，充满神秘的象征意味，体现出本土信仰与外来文化的融合。
这些地区的绘画艺术虽风格各异，却都在吸收外来文化的基础上，坚守本土特色，通过独特的视觉语言，记录了各自文明的历史与信仰，共同构成了世界艺术史的丰富图景。
随后，随着新航路开辟、文艺复兴、宗教改革、科学革命与启蒙运动的相继涌现，再到改写世界格局的两次工业革命，以及以两次世界大战为代表的重大历史事件，人类社会在新兴生产力与制度变革的双重激荡下加速转型。从中国晚清的器物革新、辛亥革命的制度探索，到五四运动的思想觉醒、抗日战争的浴血奋战，再到新中国成立后的自力更生、改革开放的拥抱世界，直至社会主义进入新时代；从欧洲各国由封建制向资本主义的跨越，到全球范围内对社会主义制度的探索与实践，在这一系列反抗侵略、争取独立、维护和平、迈向现代化的壮阔进程中，在对于绘画工具制作使用、绘画技巧技艺和风格艺术，还有相应文学艺术作品和着作典籍理论等领域的认知理解，也随之突破传统桎梏，在全球化与本土化的碰撞中，迎来了多元变革与跨界融合的全新阶段。
而在这里跌宕起伏的旅途中，面对家国风雨飘摇、民族患难，艰难起步、坎坷曲折，乃至抓住机遇勇敢发展，最后走向繁荣富强的伟大征途和国内国际局势中，绘画技术技艺以及画作成果成品，和文学艺术作品与歌曲歌谣般，不仅在危机时刻唤醒民众百姓正义清醒认知，为了民族独立复兴，国家发展繁荣富强，个人家庭美好生活理想勇往直前，更是在不同时代阶段与时期战争战役和发展改革历程中每一关键时刻的还原复现，同时还以史为鉴，与时代齐驱共鸣，和图片视频一般，进一步启发反思思考和发展前行。
在中国，这段壮阔的历史征程中，绘画始终以“载道”与“言志”为核心，既是时代的镜像，更是精神的旗帜，在不同历史阶段绽放出独特的生命力。
晚清民初，面对内忧外患的局势，绘画成为思想启蒙与救亡图存的重要工具。传统文人画开始突破“笔墨雅玩”的局限，任伯年、吴昌硕等画家以金石入画，将篆隶笔法融入花鸟山水，画面雄浑苍劲，暗藏“以笔为剑”的民族气节。吴昌硕的《墨梅图》以浓墨重彩勾勒梅花，枝干如铁，花朵似火，既延续了文人画“以梅喻志”的传统，又以强烈的视觉冲击力传递出坚韧不拔的精神。同时，西方绘画技法的传入推动了艺术变革，康有为、陈独秀等提出“美术革命”，主张以写实主义改良中国画，徐悲鸿留学归来后，将西方素描造型与中国笔墨结合，创作《愚公移山》《九方皋》等作品，以宏大的构图与写实的形象，歌颂劳动人民的力量与民族精神的觉醒，为中国画注入了新的时代内涵。
抗日战争时期，绘画成为凝聚民族力量、控诉侵略暴行的武器。艺术家们走出书斋，深入前线与民间，以画笔为刀枪，创作了大量宣传画与纪实作品。蒋兆和的《流民图》以细腻的写实笔触，刻画了战争中流离失所的百姓形象，画面中每一张憔悴的面容都充满了对和平的渴望，成为控诉战争暴行的视觉史诗；彦涵的版画《狼牙山五壮士》以简洁有力的线条，再现了英雄们宁死不屈的壮举，成为鼓舞军民斗志的精神旗帜。此时的绘画工具趋于简易实用，版画、漫画等形式因其传播便捷性广泛流行，在敌后根据地与大后方形成了轰轰烈烈的“抗战美术”运动，艺术真正成为“民众的艺术”。
新中国成立后，绘画艺术在“为人民服务、为社会主义服务”的方向指引下，呈现出昂扬向上的风貌。建国初期，艺术家们聚焦于革命历史与建设成就，董希文的《开国大典》以恢弘的构图、鲜艳的色彩，定格了新中国成立的历史性时刻，画面中既融入了西方油画的写实技巧，又借鉴了中国传统壁画的装饰性，成为具有里程碑意义的作品；罗中立的《父亲》以超写实的手法，刻画了一位饱经沧桑的农民形象，布满皱纹的脸庞与粗糙的双手，既展现了中国农民的坚韧，也体现了对人民的深厚情感。这一时期，中国画在继承传统的基础上不断创新，傅抱石、关山月合作的《江山如此多娇》以磅礴的气势描绘祖国山河，将传统山水画的笔墨与新时代的豪情相结合，成为国家精神的象征。
改革开放后，中国绘画迎来了多元发展的春天。艺术家们在吸收西方现代艺术理念的同时，重新审视本土文化传统，形成了“传统出新”与“中西融合”并行的格局。吴冠中提出“笔墨等于零”的观点，主张艺术应注重形式美与情感表达，其作品《长江三峡》以简洁的线条与鲜明的色彩，将中国传统意境与现代形式美学相结合；张晓刚的《大家庭》系列以冷静的笔触与象征化的形象，反思中国社会的历史与变迁，成为当代艺术的代表。同时，随着全球化进程的加速，中国艺术家积极参与国际交流，徐冰的《地书》以符号化的语言构建跨文化沟通的桥梁，蔡国强的火药爆破艺术则以独特的东方视角，在世界艺术舞台上展现中国文化的魅力。
进入社会主义新时代，绘画艺术在传承与创新中展现出更丰富的活力。艺术家们既深入挖掘中华优秀传统文化资源，创作了大量展现传统美学精神的作品，如范曾的人物画、黄永玉的花鸟画，以精湛的笔墨传承文人画的精髓；又聚焦于新时代的伟大实践，以画笔描绘脱贫攻坚、乡村振兴、科技创新等重大主题，如“时代楷模”系列绘画作品，以写实的手法再现了新时代奋斗者的形象，传递出昂扬向上的时代精神。同时，数字技术的发展推动了绘画形式的革新，数字绘画、新媒体艺术等新兴形式不断涌现，为艺术表达提供了更多可能，艺术家们通过科技与艺术的融合，创作了一批具有时代感与前瞻性的作品，让中国绘画在全球化的语境中焕发出新的生命力。
从晚清的“美术革命”到新时代的“守正创新”，中国绘画始终与民族命运、时代发展同频共振，既以笔墨记录历史、传承文化，又以艺术的力量唤醒精神、鼓舞人心，成为中国人民在不同历史时期砥砺前行的生动见证。
与此同时，让我们将目光转移向世界，在同样波澜壮阔的历史进程中，不同国家与地区的绘画艺术也各自以独特的方式回应时代变革，在全球化的浪潮中书写着多元共生的篇章。
在欧洲，两次世界大战的创伤与战后重建的阵痛，推动艺术从传统写实走向彻底的现代性突破。一战后兴起的达达主义以反传统的姿态挑战艺术边界，杜尚将现成品《泉》（小便池）作为艺术品展出，彻底颠覆了“艺术必须手工创作”的认知，引发对艺术本质的深刻反思；超现实主义则深入潜意识领域，达利的《记忆的永恒》以软化的钟表、诡异的 ndscape 构建出梦幻般的场景，隐喻战争带来的时空扭曲与精神焦虑，成为人类对非理性世界探索的视觉符号。二战后，抽象表现主义在美国崛起，杰克逊·波洛克的“滴画”摒弃画笔，以泼洒、滴落的方式将颜料直接作用于画布，创作过程充满行动性与随机性，如《薰衣草之雾》，通过交织的色彩与线条，传递出战后人类内心的混乱与力量，使美国艺术首次在全球范围内获得主导地位。
在亚洲其他地区，绘画艺术则在民族独立与文化觉醒的浪潮中焕发新生。日本在明治维新后全面西化，但艺术家们始终在传统与现代间寻求平衡，浮世绘的色彩与构图影响了欧洲印象派，而战后的“物派”艺术则以石头、木材等天然材料为媒介，通过极简的装置与绘画结合，探讨人与自然的关系，展现出东方美学对现代艺术的独特贡献。印度在摆脱殖民统治后，艺术家们融合传统细密画技巧与西方现代艺术理念，拉杰·罗伊的作品以鲜艳的色彩与象征化的形象，描绘印度的宗教神话与社会现实，既传承了本土文化基因，又表达了对国家身份的思考。
在非洲与拉丁美洲，绘画成为反抗殖民压迫、重塑民族文化的重要武器。非洲艺术家们从传统图腾、面具艺术中汲取灵感，尼日利亚的本·恩瓦索以大胆的色彩与夸张的造型，创作反映非洲历史与现实的作品，画面中充满原始的生命力与对自由的渴望；墨西哥壁画运动则在政府支持下蓬勃发展，里维拉、奥罗斯科等艺术家以大型公共壁画为载体，描绘墨西哥的民族独立史与劳动人民的抗争，作品兼具写实主义的叙事性与墨西哥传统艺术的装饰性，如里维拉的《墨西哥的历史》壁画，将神话传说与历史事件融为一体，成为凝聚民族情感的视觉史诗。
进入21世纪，全球化与数字技术的发展让世界绘画艺术呈现出前所未有的跨界融合态势。西方当代艺术打破媒介界限，绘画与影像、装置、行为艺术频繁互动，村上隆的作品融合日本动漫元素与西方波普艺术，《太阳花》系列以鲜艳的色彩与重复的图案，成为消费时代的文化符号；中国艺术家则在全球化语境中坚守文化根脉，徐冰的《地书》以自创的符号体系构建出跨语言的沟通桥梁，无论何种文化背景的观众都能通过图像理解其含义，成为全球化时代文化交流的创新尝试。同时，数字绘画的兴起让创作工具发生革命性变革，艺术家们借助平板电脑、绘图软件等设备，突破传统材料的限制，创作效率与表现力大幅提升，如数字艺术家beeple的《每一天：前5000天》，以每天一幅数字绘画的形式持续创作13年，最终以高价拍卖成交，标志着数字绘画正式进入艺术市场的核心领域。
从欧洲的现代主义浪潮到亚非拉的民族觉醒艺术，再到全球范围内的数字艺术革命，世界绘画始终在变革中前行。它既是不同文明对时代变迁的回应，也是人类情感、思想与创造力的共同结晶，在全球化的今天，不同文化背景的绘画艺术相互借鉴、碰撞融合，共同谱写着人类文明多样性的壮丽诗篇。
展望未来，在科技革新与文化交融驱动下，绘画相关领域认知将呈现“边界消融、维度拓展、价值多元”趋势，重塑艺术与时代、个体与世界的关系。
在工具与材料层面，数字技术：AI绘画工具将实现“协同创作”，快速转化灵感并模拟多元风格，同时“手工创作”价值凸显，形成“数字肌理与手工痕迹共生”的新形态。